09/12/2024 22:44por MAXIMILIANO 51 El emblemático texto de Christopher Marlowe, autor referente de la literatura isabelina, llega a Buenos Aires décadas después de la recordada versión que encarnaran Alfredo Alcón y Antonio Banderas (en los años '80), entre otras versiones que incluyen a la vanguardista cinta dirigida por Derek Jarman (estrenada en 1991). Participante de la última edición de FIBA, la flamante adaptación, a manos de Carlos Gamerro, Oria Puppo y Alejandro Tantanian, forma parte de la programación oficial del Complejo Teatral de Buenos Aires.
Esta ambiciosa relectura sobre el clásico escrito alrededor del año 1500 se conforma como un rupturista enfoque que actualiza al tiempo presente la concepción total de la obra. Ante nuestros ojos se desarrolla una visión desmesurada, que supera las dos horas de duración y plasma una singular concepción de dramaturgia, espacio escénica y vestuario. Prestando especial interés a los apartados audiovisuales, musicales (Axel Krygier) y coreográficos (Josefina Gorostiza), se enfoca en exhibir aquellos aspectos íntimos acerca de los cuales la historia oficial prefiere callar: la homosexualidad de numerosos reyes y filósofos.
Tantanian, de dilatada trayectoria en nuestro teatro –actor, régisseur e integrante de El Periférico de los Objetos- debuta en la sala Martín Coronado, llevando a cabo un pormenorizado retrato de época, enfocándose en Eduardo II, gobernante en igual medida déspota e irresponsable, fascinado por el poder y entregado a una vida disipada. Súbdito de tantos amos, heredó el trono luego de la muerte de su hermano mayor, para luego ostentar un reinado de veinte años (1307-1327). A la altura del tamaño desafío que dicho rol representa, Agustín Pardella, se muestra acorde a las circunstancias. En gran desempeño, lo acompaña un sólido elenco de intérpretes integrado por Eddy García, Sofía Gala Castiglione, Patricio Aramburu, Luciano Suardi, Santiago Pedrero, Gabo Correa y Lalo Rotaveria.
Durante el dominio de Eduardo II, proliferarían actos que profanaron la dignidad de la corte e indignaron a la cúpula de la iglesia. No fueron pocos los escandalizados, dispuestos a especular respecto a quién se atrevería a 'meter mano' en el codiciado tesoro del rey. Mientras su mera existencia supo poner en peligro a la de sus semejantes, el martillo de dolor no tardó en golpear certero y atormentar. Coronado de miseria, traicionado y forzado a abdicar, sería ejecutado de forma salvaje. Una ley no escrita fue anunciada de labios de un posible verdugo: los hombres débiles deben caer.
21/11/2024 16:58por MAXIMILIANO 51 Esta singular visita al origen de la literatura argentina forma parte del proyecto "La Saga Europea", conformada por un total de cuatro obras, todas ellas ambientadas en el siglo XIX, bajo la propuesta de explorar la relación existente entre Latinoamérica y Europa, y con miras a repensar la mitología nacional.
Con música en escena de Ian Shifres, "Las Cautivas", una relectura al clásico de Esteban Echeverría ("La Cautiva", 1837), autoría de Mauricio Tenconi Blanco, se encuentra protagonizada por Laura Paredes y Lorena Vega y su historia parte de la siguiente premisa: un malón irrumpe en una boda y secuestra a la novia, una joven mujer francesa llamada Celine, quien luego será rescatada por un inesperado protector: una india de nombre Rosalila. Sendas mujeres en fuga encarnarán dos cosmovisiones por completo opuestas y la ficción cobrará tenor fundacional.
Entre huidas y encuentros relatados a través de monólogos y recitados en verso que construyen dinámicas y comportamientos, Tenconi Branco se propone contar aquellas desigualdades que refieren al origen, a la identidad y la pertenencia, al tiempo que el rigor histórico se altera, permitiendo jugar con ciertas nociones que refieren a la tradición. Una mirada feminista y reivindicatoria se impone, mientras el lenguaje se tensa y la historia persigue un sentido de unidad.
Potentes actuaciones y variados colores musicales caracterizan a una propuesta que acaba de cumplir tres temporadas en cartelera. Auténtico fenómeno de audiencia, durante el presente año, "Las Cautivas" se exhibió en el Teatro Metropolitan y en el pasado mes de abril llegó a celebrar funciones en España.
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Los Mosqueteros del Rey
09/11/2024 01:02por MAXIMILIANO 51 Estrenada a comienzos de los años '90 (con protagónicos de Miguel Angel Solá, Juan Leyrado, Hugo Arana y Darío Grandinetti), Los Mosqueteros del Rey constituye un inmediato clásico del teatro argentino, creado y dirigido por el genial Manuel González Gil. En esta brillante pieza, lo trágico y lo cómico se emparentan al momento en que tres actores intentan contar al público la mítica historia de Alejandro Dumas, afamado novelista francés, autor de celebres títulos como "El Conde de Montecristo".
El nudo de una desopilante historia está puesto en el fallido constante: los actores tropiezan, una y otra vez, con las formas incorrectas; dicho código se instala en primera medida. A propósito, a conciencia, surgen olvidos, despistes, trabas. El texto no logra avanzar, el yerro roba carcajadas a granel. ¿Será que hacerlo bien arruinaría los planes de este ensayo fatal? Los hechos demuestran que este grupo actoral, en completa carencia de aptitudes, se esfuerza en hacerlo lo peor que se pueda. Quizás por ello, estos nobles y siempre dispuestos caballeros nos despierten instantánea ternura. Todos podemos tener un mal día
El impecable cuarteto conformado por Nicolás Cabré, Nicolás Scarpino, Jorge Suárez y Fredy Villareal encuentra los tonos adecuados para alternar lucimiento y abordar una obra intacta, que gozó de notable éxito durante el presente año, con funciones en el Teatro Astral. Ejemplar de un humor sano y sencillo, "Los Mosqueteros del Rey" se apoya, de igual manera, en cuadros musicales que prolongan la magia.
Empatía es una condición fundamental a la que la sabia pluma de González Gil recurre, alimentando las fantasías de la audiencia respecto a toda aquella circunstancia que atraviesa un artista antes de salir a escena. En tal sentido, la cercanía con el público y el vínculo que se establece con este resulta un aspecto fundamental a lo largo de una hora y media de puro disfrute, y en dónde el juego de verdad/ficción establecido mediante los nombres propios de los protagonistas generan un nivel de identificación a prueba de fallos.
04/11/2024 18:54por MAXIMILIANO 51 Este trabajo de dramaturgia parte de la adaptación de una idea de Marcelo Cotton, nacida en el formato radial, a comienzos de los 2000, para el clásico programa "Marca de Radio", conducido por Eduardo Aliverti en Radio Nacional. La ingeniosa puesta teatral, dirigida por Guadalupe Bervih, reformulará la iniciativa sobre una escenografía en la que, paradójicamente, el diván brillará por su ausencia.
A poco de concluir su segunda temporada, con funciones en Teatro Picadilly, los geniales Diego Reinhold y Daniel Casablanca fueron nuevamente los intérpretes encargados de recrear mecanismos de terapia, a base de humor, ironía y absurdo, y en pos de reflexionar respecto a la historia de nuestro país, desde comienzos del siglo XIX hasta hoy, haciendo hincapié en episodios insoslayables.
"Argentina al Diván" concibe su fórmula bajo un denominador común, cíclico: nuestra nación es ese paciente, patético y despojado, aunque enternecedor, en crisis permanente. La tía de buen pasar, a quien todos reconocemos como propia, y a quien todo sueño de prosperidad o bien material le fuera sustraído. Argentina, al borde del abismo, ya sea económico, político o social. El presente continúa siendo un momento especialmente indicado (una vez más, mal que nos pese) para pensarnos y exorcizar miserias en común.
30/10/2024 15:17por MAXIMILIANO 51 Con adaptación de Irina Alonso (quien ya hiciera lo propio en 2017, además de protagonizar dicha versión), esta notable pieza trae al presente la clásica tragedia de Eurípides. Con evidente vigencia, contemplamos los pliegues de un trabajo de dramaturgia que aborda y dimensiona la trascendental figura de Medea, mujer bárbara y disidente de las normas impuestas. Descendiente del sol, los acontecimientos la mostrarán apta de cometer el crimen más condenable y despiadado de todos.
En medio de un panorama ominoso y amenazante, donde los ríos sagrados corren al revés y regresan a sus fuentes, existen hechos los suficientemente extraños que se manifiestan, entre muchas formas de hacer el mal. La justicia y el mundo vuelven a estar revueltos, la fe jurada en nombre de lo divino se extingue...el castigo más terrible es la única certeza pronta a acaecer. Imposible es saber lo que se nos tiene preparado, porque casi nunca ocurre lo esperado; así de absurdas son las cosas y el destino. Los humanos solemos preguntarnos qué hubiera pasado si…
Una hechicera exiliada, pisoteada y desechada, se convierte en el ser más desgraciado sobre el planeta, atormentado en su bendito dolor. A su alrededor, todo es desunión y sufrimiento. Nos adentramos en terrenos de ardua exploración moral; la tortura es del alma, el corrompimiento de los cuerpos. Medea, trastornada, no come ni duerme, ni quiere ver a sus hijos. ¿Podrá vivir feliz en algún lado? A veces es mejor abandonarse: una mujer destemplada y orgullosa suele irritar a los dioses.
Su condición la ha llevado a ocupar un lugar injusto en la historia, en sintonía a como el curso de la misma refrenda, pero todo está por cambiar. Porque, tal y como se anuncia, pronto llegará para el linaje femenino la hora del respeto y la honra; la mala fama no puede por siempre prolongarse. Pareciera ser el momento de invertir el sentido de la persecución y hablar sobre sobre la raza de los hombres, predadores e inventores de la guerra. Medea provoca desde lo alto, a quien esté dispuesto a escuchar. El escenario se tiñe de rojo sangre.
Con la suerte en sus manos, será ella, y solo ella, quien decida sobre su futuro; la dominación de la propia voluntad por parte del poder machista es algo que drásticamente debe ser modificado, y sin rodeos: decidida a confrontar el mandato socialmente aceptado, prefiere ir tres veces al frente de combate antes que parir una sola vez. Porque, a veces, las mujeres tienen que tomar decisiones horribles. Dispuesta a convertir en cadáveres a sus enemigos, con mano firme urdirá un plan asesino, invocando sombras silenciosas, desatando el caos. Y aunque tenga el conocimiento y los medios necesarios para devolver el golpe, violento y por despecho, no tomará en cuenta un arma de doble filo: el deseo excesivo podría conducir a la muerte.
Con notables hallazgos, un gran referente de nuestro teatro independiente como Gustavo Pardi ("El Zoo de Cristal", "Son de Mar") se hace cargo de la dirección de una obra polémica y rupturista, que cuestiona la vocación de ser madre y de proteger a la propia descendencia. "Medea" se anima a hacer preguntas y afirmaciones incómodas. ¿Es el amor la peor de las maldiciones? ¿Cuál es el dolor más grande que puede infligirse a un padre? Tramo a tramo, nos adentraremos en la locura, la ambición, la venganza, los celos y las dudas que envuelven a un personaje cuya inherente dualidad revela capas de oscuridad que interpelan al espectador; inclusive, cara a cara: rumbo a las escalinatas se rompe por completo la cuarta pared.
Un sobresaliente apartado de iluminación, así como un esmerado trabajo coreográfico, cobran una injerencia fundamental a lo largo de una experiencia teatral que permite un atractivo cruce de géneros, y puede también comprenderse como homenaje al cine de terror y a la estética expresionista. Otorgando calidad a la propuesta, el ingrediente musical se hace presente para poner en palabras actos pecaminosos, a medida que los protagonistas interpretan "Back to Black" de Amy Winehouse y "Born Bad", de Juliette Lewis (incluida en la película "Asesinos por Naturaleza", de Oliver Stone).
Dentro de los muchos aciertos que la presente obra posee, quizás el mayor de ellos sea otorgar el rol de Medea a la deslumbrante Antonella Fittipaldi, también participante del exitoso musical de calle Corrientes "La Desgracia" (cursando su octava temporada en Paseo La Plaza). Contemplamos la consagratoria interpretación de una actriz efectiva en internarse en un absorbente tour de forcé que exhibe sus múltiples virtudes interpretativas. Su cuerpo y su voz son inmediato instrumento de emociones: lo erótico, lo frágil, lo intempestivo, lo abyecto y lo horroroso conviven bajo la piel de una figura mitológica capaz de mutar en el más cruel de los animales.
Acompañando a la descollante Fittipaldi, seis talentosos intérpretes completan el elenco (Adriano Barisone, Iván Díaz Benítez, Lourdes Anahí Gómez, Carolina Krivoruk, Noelia Perea y Marcelo Sánchez), algunos de los cuales son oriundos de Lomas de Zamora, localidad de dónde es nativo Pardi -actor de extensa trayectoria, también en nuestro medio audiovisual-, y con la cual guarda profundos lazos.
La dupla conformada junto a Alonso (especialista en la adaptación teatral de célebres textos) concreta una estupenda labor a la hora de deconstruir un mito y volverlo relevante bajo la mirada actual. "Medea", con participación en voz en off de la gran Ingrid Pelicori- es promesa de gran teatro. En la sala González Tuñón del Centro Cultural de la Cooperación, los sábados a las 20hs., la cita se asume imperdible.
18/10/2024 16:47por MAXIMILIANO 51 En la sala Raúl González Tuñón del Centro Cultural de la Cooperación, podemos disfrutar, con funciones los días viernes, de "Yo, Fedra", el magnífico unipersonal protagonizado por Ingrid Pelicori y creado por Analía Fedra García.
Este sobresaliente trabajo de dramaturgia recrea el mito griego, colocándolo en tensión con las diversas versiones existentes, trayendo al presente un personaje abordado de modo profuso a lo largo de la historia del teatro, la filosofía y la literatura. Pensemos, acaso, en autores como Racine, Eurípides, Séneca o De Unamuno. A través de un arduo proceso de investigación, las diversas Fedras resuenan en la escritura de una autora y directora dispuesta a encarar un proyecto sumamente personal.
El relato se desarrolla en una zona indeterminada, que pareciera remitir a todas las épocas y a ninguna a la vez; el vestuario elegido tampoco arroja certezas. Sobre un dispositivo escenográfico de abstracto diseño, la subjetividad autoral atraviesa la cronología y altera ciertos acontecimientos. Estamos a punto de ser testigos del absorbente retrato en primera persona: en el centro de la escena, observaremos a un personaje vivenciando sensaciones a flor de piel.
Analía Fedra García convoca a la brillante actriz Ingrid Pelicori (con quien ya había colaborado en "Greek") para dar vida a una mujer presa de su propio dilema, a medida que recorre los espacios de una casa en dónde la pasión ya no cabe. Víctima de un amor prohibido hasta los huesos -y palpitante de los pies a la cabeza-, Fedra está atrapada entre dos fuegos: uno está apagado, el otro es un maravilloso incendio.
La mítica mujer redescubre la salvaje fascinación de todo estado de enamoramiento. La brasa quema en sus propias manos, mientras reflexiona de forma retórica: ¿qué es el deseo sino una pregunta sin respuesta? Con intensidad y un encomiable talento, la sublime interpretación de Pelicori aborda un amplio rango de emociones que va del susurro al grito, del dolor al goce, del llanto a la carcajada. Magnética e hipnótica, captura nuestra permanente atención.
Torpe y enamorada, Fedra recuerda hasta retorcerse los pormenores de aquel amor furtivo en días dónde la poesía sembraba pistas en cada rincón. En un recorrido que se extiende por exactos cincuenta minutos, la protagonista también tomará la voz (el pensamiento, la palabra y la acción) de los demás personajes intervinientes: un Teseo en constante fuga, un Hipólito de imposible belleza y unos lacayos que no dejan de hablar por lo bajo. Pelicori deslumbra.
Como toda tragedia, el desenlace se llenará de fatalidad y correspondidos deseos de muerte. Sobre la pecaminosa mujer, algo más que oprobio y vergüenza es lo que prevalecerá. En este sentido, el enfoque que la autora otorga a la pieza conforma un auténtico tratado sobre el deseo, cuyo desdoblamiento habilita y justifica giros narrativos que reivindican el erotismo y el poder feminista. ¿Dónde encontrará, finalmente, su revancha?
"Yo, Fedra", soberbia adaptación de un escenario mitológico clásico, construye poderosas imágenes que el discurso teatral sostiene conformando un inquietante ensayo sobre un amor que, fundido en la naturaleza, vivirá más allá del tiempo y de los cuerpos.
10/10/2024 20:48por MAXIMILIANO 51 Una enfermedad en la propia familia accionó como disparador para la creación artística de la dramaturga y directora Anahí Ribeiro, con miras a reflexionar acerca de lazos de hermandad atravesados por la pérdida y la orfandad. Protagonizada por Agustín Corsi, María Forni, Julia Funari, Bárbara Majnemer, Ingrid Mosches, Mariano Sacco y Alfredo Sánchez, "Brotherhood" coloca a siete actores sentados sobre igual número de sillas, mirando de frente al espectador.
Esta honesta aproximación a vínculos humanos, construye siete voces iguales de necesarias y contrastantes, inspirándose en estereotipos que van de lo más evasivo a lo combativo. En permanente interacción, una emoción tras otra se concatena, rumbo a la aceptación del propio dolor, y cada mundo particular alumbrará un camino incierto, repleto de miedos y angustias. Notable éxito del teatro independiente, apela a cuotas de humor negro y bizarro con el objeto de aliviar sensaciones a flor de piel: la dura realidad indica que los padres necesitan más cuidado y atención, al tiempo que la autora se pregunta, ¿dónde comienza el deterioro? ¿hasta dónde llega? A veces, la gente hace lo que puede con sus dramas personales.
A lo largo de una hora y media de duración, la quietud corporal no implica, en absoluto, falta de acción para ninguno de los intérpretes. Como llamativa inclusión, la precisa proyección de mapping detrás de los actores se vincula con el relato de un modo llamativo y desafiante. www.maximilianocurcio.com
